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2 de febrero de 2015

Consejos y reglas de etiqueta para una sesión de grabación

Por más que nos mareen tantas perillas o que sintamos que un estudio de grabación se puede asemejar demasiado a la cabina de un Boeing, la realidad es que es un espacio de trabajo como cualquier otro.



Sé que quizás te estoy “pinchando el globo” como se dice por acá o estoy sacandole un poco de ese glamour rocker con el que se lo suele asociar a los estudios pero al final del día lo que se necesita para hacer un buen disco no se aleja demasiado de lo que se necesita para funcionar en una tediosa oficina.

Veamos a continuación algunos consejos para aprovechar al máximo tu tiempo en el estudio y algunas reglas de etiqueta que es aconsejable respetar para que la experiencia sea placentera para todos.

1. Respeta el trabajo de los demás como te gustaría que respeten el tuyo

Una de las cosas más irritantes en las sesiones es encontrarte con gente incapaz de empatizar con el prójimo y que quizás por ignorancia o por darse aires de grandeza, menosprecia el trabajo de los demás creyendo que el mismo es sencillo porque es lo que aparenta.

Desde la experiencia puedo asegurar que así como es un parto aprender a cantar o a tocar bien el piano, todos los oficios que se desarrollan dentro de un estudio conllevan mucho tiempo de aprendizaje, prueba y error y por sobre todas las cosas dedicación y perseverancia.

No me puedo cansar de explicar que no existe absolutamente ningún software que reemplace el criterio y el talento del ser humano. Por esta razón deberías respetar a todos las personas con las que tratas dentro del estudio y pensar que no estaría demasiado bueno que la gente piense que vos sos reemplazable por una computadora.

Por citar un ejemplo, detrás de la realización de un disco profesional de 10 temas pueden haber fácilmente 300 horas de edición: Si! Tu performance necesita ser editada para cumplir con los estándares actuales y deberías apreciarlo. Aclaro por si las dudas que no se editan todos los discos pero es una variable con la que se juega bastante seguido.

Lo mismo aplica para un ingeniero de mezcla que más allá de los años de experiencia acumulada necesita hacer laborales manuales muy minuciosas como hacer automatizaciones vocales que implican asignarle un volumen a cada frasecita vocal, componer tomas maestras a partir de tomas no tan maestras (te puedes pasar un día haciendo esto nada más), reemplazo de sonidos por muestras y una larga lista de etceteras.

Lo que quiero decir en fin con este punto es que te sorprenderías de la cantidad de trabajo que hay detrás de un disco terminado y eso tiene que ser valorado, así como tienen que ser valoradas las horas que pasaste componiendo tu música que tampoco son pocas.

2. Entra al estudio lo más preparado posible

Es tan simple que me siento estúpido aclarando esto, el que está pagando por cada minuto que pasa en el estudio eres tú y por regla de tres simple deberías ser tú quien aproveche el tiempo al máximo.

¿A qué me refiero cuando digo que hay que estar lo más preparado posible? Entre tantas otras cosas a:

  • Instrumentos en condiciones: Esto implica que estén afinados y que puedan mantener dicha afinación de manera decente. Esto aplica en especial para la batería que parece ser el instrumento que menos gente sabe que se puede afinar. Si no somos demasiado buenos afinando la batería tendríamos que conseguir a alguien que nos ayude o contratar un drum doctor. 
  • Personas en condiciones: Yo también vi The Decline of Western Civilization pero también sé que gran parte de lo que se ve ahí está sobreactuado para vender una imagen de reventado que no se condice con la realidad. No pretendo debatir ni poner en juicio los usos recreativos de las drogas, lo que sí puedo asegurar es que una gran mayoría de personas funciona mejor estando con la mente lúcida por lo menos en los aspectos mecánicos de la vida y grabar un disco puede ser más mecánico que creativo (hablo de un disco ya compuesto).
  • Aprenderse las partes: Entrar al estudio a discutir quién toca qué cosa o como se formaba tal acorde es una pérdida de tiempo y es algo que termina desgastando tanto a la banda como al ingeniero de grabación. Como mínimo cada miembro de la banda debería saberse sus propias partes y en lo posible tener idea de las partes de los demás en caso de ser necesario. 
  • Aprender a tocar con un metrónomo: Este es otro de los puntos débiles de los novatos en el estudio. El metrónomo es casi obligatorio y lo mejor es tratar de incorporarlo en nuestra rutina de práctica lo más pronto posible para no sufrirlo dentro del estudio. 

3. Los amigos y las novias, para las fiestas

Creeme, lo entiendo. Sé que este es un momento que tienes ganas de compartir con todo el mundo y que cosa más cool que llevar a “tu chica” al estudio donde estás a punto de cambiar la historia de la música para siempre.

El problema con esto es que toda persona ajena a la sesión (entiendase por ajena que no participa en ningún proceso de la misma ya sea tocando, produciendo, arreglando, supervisando etc) no tiene nada que hacer en la misma.
Los amigos y las novias no son otra cosa que posibles tensiones y por otro lado no deben presenciar ni participar en discusiones internas de la banda ya que carecen del marco de referencia adecuado y del peso específico para poder tomar una decisión.

Si es absolutamente necesario que alguna persona ajena a la sesión esté presente hay que tratar de que cumpla los mismos preceptos de respeto mutuo que se describen en un principio y por otro lado no interrumpir.

4. Ubicación y humildad

Entraste al estudio para hacer una cosa, grabar un disco. Lo más importante es el producto final y por lo general el trabajo en equipo requiere que cada uno de los miembros ubique su lugar y aporte desde el mismo.

Uno de los principales errores en el estudio es que cada miembro quiere sonar lo más fuerte posible o no se da cuenta de que la canción es la reina y que debemos tratar de dejar el ego en la puerta del estudio para que este no se ponga en medio de lo más importante.

También suele suceder que no sabemos lidiar con los consejos de las personas que tienen más experiencia que nosotros y tomamos algunas sugerencias en el plano personal. Existen también muchos idiotas de este lado de la mesa que se creen omnipotentes pero muchas veces la experiencia les da una visión de la que nosotros carecemos.

5. Etiqueta

Algunas de las cosas que se esperan de los músicos en las sesiones son: 

  • Tener en lo posible bien claro que es lo que quieren y expresarlo en un lenguaje medianamente objetivo para que no se preste a confusiones o no se dejen interpretaciones sueltas. “Hazme ese coro más alucinante” no es un término que se pueda trasladar a la realidad fácilmente.
  • En caso de querer revisiones de un trabajo mantener un margen aceptable y huir de la histeria de la mezcla sin fin.
  • Puntualidad y responsabilidad.
  • Apagar los celulares durante los procesos de grabación, escucha, mezcla etc. Es aceptable usar los celulares cuando no estás grabando o cuando estás alejado de la consola o de cualquier fuente que pueda ser susceptible a la interferencia. Por otro lado, piensa que usar el celular para chatear o para Twittear algo puede demostrar desinteres y no es un escenario ideal. 
  • Silencio. Si te pones a pensar que un estudio de grabación puede ser un ambiente muy silencioso y que un ruido puede arruinar una toma perfecta te darás cuenta que en los lugares más sensibles lo mejor es permanecer callado, por lo menos cuando alguien esté tocando. 
  • No opinar de cosas de las que no tienes la menor idea: Esto implica que si no sabes distinguir una frecuencia aguda de un pájaro carpintero lo mejor es que permanezcas en silencio y te abstengas de hacerle sugerencias a las personas que tienen mucha más experiencia que tú. Nadie dice que no puedes hablar pero tratar de imponerte en algo que no dominas no es lo más recomendable frente a gente que tiene muchos años de entrenamiento. Como pequeño secreto, en el mundo del audio es muy común dejar en rídiculo a las personas que pretenden escuchar más de lo que pueden haciéndoles creer que una configuración determinada fue cambiada, cuando el inocente asiente con la cabeza como diciendo “Así está mejor”, el lado oscuro de los ingenieros se regocija a más no dar. No te conviertas en ese personaje. 
  • No es aceptable empezar a hacer chistes a personas con las que todavía no tienes confianza. Puede que el ingeniero termine siendo tu mejor amigo pero no tomes confianza tan rápido. 

En resumen, el estudio puede ser un lugar que nos brinde muchas satisfacciones o sorpresas agradables sin embargo necesitamos estar a la altura de las circunstancias tanto musical como profesionalmente. Más allá de ser un ambiente que puede ser muy creativo también es un lugar de trabajo, y aunque no es una mina de carbón tampoco es Disneylandia y eso hay que tenerlo en cuenta.

Finalmente y para todo en esta vida hay que tratar de usar el sentido común, que como suelen decir algunos es el menos común de los sentidos.

8 de julio de 2013

Web Audio API: Nuevo y gratuito libro de O'Reilly para descargar (entre otros más)

La editorial O'Reilly acaba de publicar en la red sus últimos libros sobre programación, algunos de ellos todavía no han sido impresos, y podemos verlos y descargarlos de forma gratuita.

Con Web Audio API podremos ir más allá de la etiqueta de audio de HTML5 y aumentar las capacidades de audio. Incluye un montón de ejemplos de código, descripciones claras e ilustraciones útiles, esta breve guía le muestra cómo utilizar esta API en JavaScript para hacer los sonidos y música para aplicaciones interactivas.


Necesitas poca o ninguna experiencia de audio digital para empezar. El autor Boris Smus hace una introducción a los conceptos de audio digital, a continuación, muestra cómo la API de Web Audio resuelve problemas de audio específicos de la aplicación. No sólo aprenderás a sintetizar y procesar audio digital, también podrás explorar el análisis de audio y su visualización con esta API.

Entre ellos hay varios muy interesantes: Programming 3D Applications with HTML5 y WebGL y HTML5 Canvas. Con ello se pueden hacer cosas como esta.

19 de abril de 2013

OnlinePianist: Tutoriales para aprender a tocar el piano sin solfeo

OnlinePianist es un portal con varios recursos para aprender a tocar el piano. Entre ellos destaca el piano virtual con el que podremos ver las teclas pulsadas para hacer sonar las melodías y tutoriales de nuestros artistas o géneros favoritos.


Con el piano virtual podemos modificar la velocidad de las canciones, ver sólo los movimientos de una o las manos que queramos, hacer zoom y algunas opciones más como usarlo a pantalla completa.

También dispondremos de un diccionarios de acordes, partituras, incluso un piano virtual para que toques por ti mismo lo que hayas aprendido (y bien despacio porque tiene mucho retardo).

Si somo muy mañosos podemos subir nuestros propios tutoriales. Lo que sí que echo en falta y creo que no tiene es un auténtico pentagrama.

Enlace: www.onlinepianist.com/songs/

9 de diciembre de 2012

Aprende a cantar con el Curso de Canto de Nokroy



curso-de-canto.com es una web en donde podrás aprender las técnicas necesarias para cantar mejor. Lo imparte Nokroy, el cantante de la banda de heavy metal Mystika.

Entre otras, aprenderás a: Respirar Correctamente, Utilizar tus resonadores corporales, Proyectar la voz para conseguir una voz fuerte y con volumen y Mejorar tu registro (conseguirás llegar a notas más altas).

Según el autor tienes toda la libertad para seguir el curso tema a tema y preguntar lo que necesites. Entre lecciones y ejercicios también podrás encontrar consejos importantes.

Enlace y acceso al curso: Aprende a cantar | Curso de Canto
Visto en: /www.sindinero.org

27 de noviembre de 2012

littleBits: Bloques de componentes electrónicos de código abierto




Ayah Bdeir presenta en una conferencia de TED su última aportación; littleBits. Una serie de circuitos electrónicos pensados para usarse en forma de bloques.

littleBits es una colección de pequeños componentes electrónicos discretos pre-ensamblados montados sobre escuetos circuitos impresos que encajan unos con otros gracias a imanes que evitan el uso de soldadores.

Toda la lógica y los circuitos es pre-ingeniería, por lo que los usuarios pueden jugar con la electrónica sin conocerla.

Lo más interesante de este proyecto es que los diseños de los módulos están publicados bajo licencias Reconocimiento Compartir Igual 3.0 España y de hardware libre, así que puedes descargártelo para fabricarlos tú mismo.

Más información, web del autor y descarga: http://littlebits.cc/
Más información (Visto en): www.microsiervos.com

21 de agosto de 2012

Como conseguir mejores bajos en la música electrónica


En la mezcla de música electrónica siempre hay un problema recurrente que es la coincidencia en la parte baja del espectro de instrumentos con mucho contenido en graves. En este vídeo se explican las 2 métodos más básicos para arreglar esa situación.

11 de agosto de 2012

Libros eBooks de marketing musical y derechos de autor para Kindle

Estos ebooks son para el lector de libros electrónicos de la tienda Amazon, Kindle. El echo es que únicamente están  disponibles en la versión electrónica. Podéis comprar los libros en el botón de la izquierda.

MARKETING MUSICAL 
¿Cómo diablos llega un músico a despertar el interés de 100.000 personas? Si eres músico y no tienes ni un duro seguramente te habrás hecho esta pregunta miles de veces. La respuesta está en la promoción musical. ¿Pero en qué consiste la promoción musical?

Nos han contado una y otra vez la dulce historia de las redes sociales como catapulta hacia el estrellato. ¿Dónde empieza el mito y acaba la realidad? Marketing, promoción, producción, social media, comunicación, industria... Este libro se propone arrojar un poco de luz al papel de la comunicación en el negocio de la música. Sin cuentos de hadas, sin tapujos, sin recetas mágicas. ¿En qué ha cambiado la industria musical con la revolución digital? ¿Siguen siendo necesarios los medios de comunicación? ¿Qué papel cumple la autoproducción? ¿Hasta qué punto son influyentes las redes sociales? ¿Cómo se promociona la música en la era de internet?

'Marketing Musical: Música, industria y promoción en la Era Digital' es un extenso trabajo escrito con un enfoque divulgativo y periodístico. Entrevistas con responsables de agencias de promoción musical, management, discográficas y periodistas musicales, junto a una extensa documentación sobre el tema.

MARKETING MUSICAL: CÓMO VENDER TU MÚSICA
En la actualidad se consume más música que en ningún otro momento de la historia. En la era digital, los modelos y hábitos de consumo, al igual que los modelos de negocio musical, se han transformado radicalmente. Este nuevo enfoque precisa que el artista se comunique de forma directa y honesta con sus fans, sin intermediarios ni artificios de ningún tipo.

En nuestros días, las mayores tiendas de música del mundo están en Internet: iTunes, Amazon, Spotify...inmensas plataformas de distribución y venta que ya no están solo al alcance de discográficas y nombres consagrados, sino de cualquier artista que desee dar a conocer su música.

Marketing musical es una guía práctica y directa que te enseña cómo "moverte" por los canales de distribución apropiados para vender y promocionar tu música en Amazon, iTunes, Spotify... Gana dinero con tu trabajo y vive de lo que te gusta.

CÓMO SOBREVIVIR A LA SGAE
Las sociedades de gestión fueron creadas para cuidar los legítimos derechos de los autores. Nada que objetar. El problema es que, en el proceso, han acabado convertidas en máquinas de recaudación indiscriminada. No les importa cambiar las leyes, torcer brazos, pedir favores o pasar por encima de los derechos fundamentales de los ciudadanos. Su lema, al parecer, es que todo vale.

Tarde o temprano nosotros, los ciudadanos de a pie, nos vemos afectados por los métodos de estas entidades: a la hora de comprar un DVD, montar una web, participar en un blog. En estos momentos, se están modificando las leyes para permitir a autoridades no judiciales el cierre y persecución de webs que perjudiquen a los titulares de derechos de autor. Lo consigan o no, es una muestra más de la importancia que las relaciones autor-consumidor tienen en el mundo de la propiedad intelectual (PI).

Por eso he escrito este libro, para intentar aclarar conceptos y que usted sepa realmente en qué consiste esta lucha, y más importante, cómo adoptar postura.

Para poder leer estos libros desde los enlaces necesitarás el Kindle: e-reader con wifi integrado y pantalla de tinta electrónica E Ink de 15 cm (6 pulgadas)

6 de agosto de 2012

Libros para el verano sobre música - Novedades

Una pequeña recopilación de libros para este verano, son todos novedades, así que hace poco que acaban de salir. Algunos tienen gastos de envío gratis:


PIANO PARA DUMMIES
¿Tocar el piano es tu asignatura pendiente? Este libro te lo enseña de un modo tan fácil y divertido que tus dedos dominarán el teclado casi sin que te des cuenta. Si no sabes leer música, el método Para Dummies te explica la teoría musical con un lenguaje claro y directo y te enseña a aplicarla a la interpretación de piano. Y si ya tienes alguna idea de piano, o tomaste clases cuando eras pequeño pero no has vuelto a abrir la tapa, también encontrarás ejercicios y consejos para refrescar tu memoria o mejorar tu ejecución.

Busca los ejercicios de audio en www.paradummies.es, busca la ficha del libro Piano para Dummies y allí encontrarás los archivos con las canciones y ejercicios que se estudian en el libro.


ARMONÍA PARA LA GUITARRA ACTUAL

Con el objetivo de organizar el amplio (pero a menudo disperso) abanico de material armónico disponible, y definir la metodología más adecuada para su asimilación y puesta en práctica, el guitarrista.


Joaquín Chacón presenta esta innovadora perspectiva sobre el complejo mundo de la armonía y su plasmación concreta en la guitarra, a partir de su propia experiencia y de las ideas que surgen de su intensa labor pedagógica. El trabajo gira en torno a un material de uso común en la música actual, mucho del cual deriva del Jazz, (uno de los estilos que más se ha desarrollado a nivel armónico), pero que, también será de utilidad para guitarristas de cualquier estilo que quieran ampliar, y profundizar en el uso de los recursos armónicos.


ASÍ ES LA MÚSICA




¿Alguna vez ha escuchado una música maravillosa y se ha preguntado exactamente por qué le hace sentir deseos de bailar o de llorar? ¿Le produce asombro la manera en que los músicos parecen saber cuál es la siguiente nota que tienen que tocar cuando están improvisando? ¿O por qué ciertas combinaciones de notas nos son agradables mientras que otras nos resultan irritantes? Podrá descubrir las respuestas en este revelador recorrido por los mecanismos que hacen que la música funcione. John Powell, compositor con formación clásica y profesor de física, decidió escribir esta guía sobre los componentes de la música cuando descubrió que los demás libros que tratan sobre el tema le causaban dolor de cabeza. Aquí desvela hechos a menudo poco conocidos, así como los fascinantes fenómenos científicos que están detrás de lo que escuchamos. También explica los fundamentos de la armonía, las escalas, los acordes, la tonalidad y el ritmo, y lo hace de manera fácil de entender para todo el mundo. Además, nos muestra por qué una nota tiene un sonido diferente al de un ruido normal, por qué las personas chinas tienen más probabilidades de tener oído absoluto y por qué Beethoven y Led Zeppelin se parecen desde el punto de vista musical. Este libro explica cosas que deberían saber las personas que tocan algún instrumento musical, pero que a menudo ignoran. Además, nos ayudará a todos –incluso si no sabemos leer ni una nota– a aumentar el placer que sentimos cuando escuchamos música.


EL ARTE DEL RUIDO


En 1913, Luigi Russolo, músico e inventor futurista, escribía la carta-manifiesto "El arte de los ruidos" para reclamar la inclusión del ruido como elemento de representación de los nuevos tiempos en la música del futuro, una música que reflejase el verdadero espíritu de aquellos años: la industria creciente, el nuevo urbanismo, el arte de vanguardia y la tecnología, e incluso, cómo no, el clamor de la guerra. Partiendo de este hito en el arte vanguardista, "El arte del ruido" se suma a aquellos que han reconocido en la visionaria inspiración de Russolo el comienzo de toda una nueva corriente que trasciende lo meramente musical, y pretende celebrar cien años de arte y ruido a través de la reflexión sobre la crisis musical del siglo XX (recogiendo las opiniones de Adorno sobre la Nueva Música o de Benjamin sobre el arte contemporáneo), el significado del ruido en este contexto y la valoración de artistas fundamentales para el desarrollo del ruidismo como los franceses Erik Satie y Pierre Schaeffer, los americanos La Monte Young, John Cage y Boyd Rice (NON), los británicos Throbbing Gristle y Whitehouse, los japoneses Merzbow y Hanatarash, o los españoles Esplendor Geométrico y Francisco López.



También puedes echar un ojo si te interesa el nuevo Kindle de Amazon: Kindle: e-reader con wifi integrado y pantalla de tinta electrónica E Ink de 15 cm (6 pulgadas)

21 de julio de 2012

Múltipes consejos y técnicas avanzadas de producción de música electrónica

El productor y deejay Marc Marzenit comparte su conocimiento acerca de la producción de música electrónica, el proceso de mastering, sus experiencias en directo y muchos otros contenidos de interés.

El vídeo corresponde a la masterclass del pasado 11 de mayo en Barcelona en la escuela Sae.



Hasta el minuto 24 podéis escuchar consejos acerca de la producción en general. Este es el programa de la clase de Marc Marzenit que comienza a partir de entonces:
  • Mezcla avanzada + Panoramas
  • Sidechain
  • Acústica de la Sala
  • Grabaciones Analógicas y Digitales
  • Optimización de los recursos e introducción a la masterización.
Podéis ver más vídeos en el canal de youtube de la escuela de sonido SAE: http://www.youtube.com/user/SAEspain

19 de julio de 2012

Cómo Conseguir Baterías más Agresivas con la Compresión paralela o efecto New York (Vídeo-Tutorial)


Los compresores / limitadores no se utilizan normalmente para procesar la señal en paralelo, como en el caso de una reverb, pero en ciertos casos sí que se utilizan de ésta manera. En el ejemplo vemos el ruteo para conseguir compresión paralela en una toma multipista de batería, resultando en dos versiones de la misma: las pistas recogidas en en subgrupo sin procesar y otra versión limitada de manera drástica, que se pueden mezclar para obtener un sonido más sólido.

6 de julio de 2012

La Normalización de Pico y 10 Mitos Desmantelados sobre Ella

Esta es mi traducción de este interesante artículo en hometracked. El proceso de normalización a menudo confunde a los recién llegados a la producción de audio digital. La palabra misma, "normalizar" tiene varios significados, y esto sin duda contribuye a la confusión. Sin embargo, principiantes y expertos por igual también se tropezaron por los mitos y la desinformación que abundan sobre el tema.

Me dirijo a los 10 mitos más comunes, y la verdad detrás de cada uno, a continuación.

LA NORMALIZACIÓN DE PICO 
En primer lugar, algunos antecedentes: Mientras que "normalizar" puede significar varias cosas, los mitos afectan en primer lugar la normalización de pico . 
La Normalización de pico es un proceso automatizado que cambia el nivel de cada muestra en una señal de audio digital en la misma cantidad, de tal manera que la más fuerte de la muestra alcanza un nivel especificado. Tradicionalmente, el proceso se usa para asegurar que los picos de señal en 0 dBfs, el más alto nivel permitido en un sistema digital.
dBFS significa "decibelios a escala completa" ("decibels full scale"). Se trata de una abreviatura para los niveles de amplitud de decibelios en sistemas digitales que tienen un nivel máximo disponible. 0 dBFS se asigna al nivel máximo posible. Más info aquí.
El efecto de la normalización es indistinguible de mover una potenciómetro de volumen o el fader. Los cambios de señal son enteros y por la misma cantidad fija, hacia arriba o hacia abajo, según se requiera. Pero el proceso es automatizado: El sistema de audio digital escanea toda la señal para encontrar el pico más alto, luego se ajusta cada muestra de acuerdo al resto. 
Algunos de los mitos a continuación reflejan nada más que una mala comprensión de este proceso, aunque también pueden ser el resultado de algún pequeño malentendido en algún concepto fundamental - en este caso, sobre audio de sonido, mezcla, y digital.

LOS MITOS Y LA DESINFORMACIÓN

  • Mito # 1: La normalización hace que cada pista tenga el mismo volumen
    • Normalizar una serie de pistas a un nivel común sólo garantiza que el pico más alto en cada pista es el mismo. Sin embargo, nuestra percepción de la intensidad depende de muchos factores , incluyendo el volumen del sonido, duración y frecuencia. Si bien el nivel máximo de la señal es importante, no tiene ninguna relación coherente con el nivel general de un tema - tal como los cañonazos de la Obertura 1812 .
  • Mito # 2: La normalización hace que una pista suene tan fuerte como pueda
    • Nuestra percepción de la sonoridad no está totalmente ligada a los picos en una pista, más bien lo estaría al nivel medio a lo largo de la pista.
  • Mito # 3: La normalización hace más fácil la mezcla
    • Sospecho que este mito se deriva de un deseo de quitar un poco de misterio en el proceso de mezcla. Especialmente para los principiantes, el reto de aprender a mezclar pueden parecer insuperables, y la promesa de un "truco" para simplificar el proceso es convincente.
    • En este caso, por desgracia, no hay atajos. El nivel de una pista pre-fader no influye en la forma en que la pista se sentará en una mezcla. En pocas palabras, no hay "correcto" volumen de la pista - por no hablar de un nivel pico de la pista correcta.
  • Mito # 4: La normalización de los aumentos (o disminuciones) del rango dinámico de una pista normalizada puede sonar como si tuviera más fuerza.
    • Sin embargo, esto es una ilusión que depende de nuestra tendencia a confundir "más fuerte" con "mejorar". Por definición, el rango dinámico de una grabación es la diferencia entre las partes más fuertes y más suaves. La normalización de pico afecta igualmente estos y por igual. Puede afectar a la dinámica de una grabación con movimientos de fader y de automatización de volumen, o con procesadores como compresores y limitadores. Pero un cambio de volumen simple que mueve todo hacia arriba o hacia abajo en el nivel en la misma cantidad no altera el rango dinámico.
  • Mito # 5: las pistas normalizadss "utilizan todos los bits"
    • Con la relación entre la profundidad de bits y rango dinámico, cada bit en una muestra de audio digital representa 6 dB de rango dinámico. Una muestra de 8 bits puede capturar un alcance máximo de 48 dB entre el silencio y el sonido más fuerte, en donde una muestra de 16-bit puede capturar unos amplios 96dB.
    • En un sistema de 16 bits, alcanzando un pico de señal a -36dBfs se tiene un rango dinámico máximo de 60dB. Así, efectivamente, esta señal no utiliza los 6 bits de cada muestra. Se podría pensar que, entonces, al normalizar el pico de la señal a 0 dBFS, se "recuperarían" esos pedacitos y se haría uso de toda la gama dinámica de 96 dB. Pero como la normalización no afecta el rango dinámico de una grabación, no puede aumentar la gama de valores de muestra utilizados, el alcance real de la dinámica de audio codificada no cambia. En la medida en que aún tiene sentido pensar en una señal en estos términos, la normalización sólo cambios los bits que se utilizan para representar la señal. 
    • * NOTA: Este mito también se basa en un malentendido fundamental de audio digital, y tal vez de numeración binario. Cada muestra en una secuencia de audio digital (PCM) utiliza todos los bits, todo el tiempo. Algunos bits pueden ser 0 o "apagado", pero eso seguirá siendo parte de la información.
  • Mito # 6: La normalización no puede hacer daño el audio, así que ¿por qué no hacerlo?
    • Las mejores prácticas de mezcla dictan que no se aplica el procesamiento "porque sí". Pero incluso dejando eso de lado, hay por lo menos 3 razones para no normalizar:
      1. La normalización aumenta el nivel de la señal, sino que también eleva el nivel de ruido. Puede activar el nivel de una pista normalizada hacia abajo para bajar el ruido, por supuesto, pero entonces ¿por qué normalizar en el primer lugar?
      2. Las pistas que suenan fuerte dejan menos margen de maniobra para cuando se produzca un recorte. Las pistas con picos cerca de los 0dBfs tienen más posibilidades de llegar al clip cuando se procesan con EQ y efectos. 
      3. La normalización de cerca de 0dBFS puede introducir picos, entre muestras.
  • Mito # 7: Hay que normalizar siempre porque lo hacen los ingenieros en la mezcla y grabación.
    • "Siempre" y "nunca" son palabras que no deberíamos usar tan a la ligera. Cada decisión de mezcla depende de la propia mezcla, y puesto que cada mezcla es diferente, ninguna técnica será correcta el 100% de las veces Y así ocurre con la normalización. La normalización no deberías usarla en cada pista si el proceso no lo requiere.
  • Mito # 8: La normalización es una completa pérdida de tiempo.
    • Hay por lo menos 2 casos en los que la opción "Normalizar" de tu DAW es una gran herramienta:
      1. Cuando el nivel de una pista es tan baja que no puede utilizar los faders de ganancia y el volumen para hacer la pista lo suficientemente alto como para su mezcla. Esto apunta a un problema con la grabación, y lo ideal sería que hubiera que volver a grabar la pista en un nivel más apropiado. Pero en los momentos en que no es posible, la normalización puede salvar una toma de otro modo inutilizable.
      2. Cuando se necesita establecer explícitamente el nivel máximo de una pista sin tener en cuenta su volumen percibido. Por ejemplo, cuando se trabaja con los tonos de prueba, el ruido blanco, y otro contenido no musical. Puede configurar el nivel de pico de forma manual, pero la función de normalizar hace el trabajo por ti.
  • Mito # 9: La normalización asegura que una pista no haga clip (un tipo de distorsión no deseada)
    • Una sola pista normalizada a 0dBfs no hará clipping. Sin embargo, esa pista puede ser procesada o filtrada (por ejemplo un impulso de EQ), causando el clip. Y si la pista es parte de una mezcla que incluye a otras pistas, todos normalizados a 0 dB, está prácticamente garantizado que la suma de todas las pistas superará el pico más alto en cualquier pista. En otras palabras, la normalización sólo se le protege contra los recortes en el caso de una sola pista.
  • Mito # 10: La normalización requiere una interpolación extra.
    • Este último mito aparece de forma esporádica en las discusiones de grabación. Por lo general, predecido, "está bien para normalizar en 24 bits, pero no en 16 bits, porque ...", seguido de una explicación que revela una falta de comprensión de audio digital.
    • En pocas palabras: Un sistema digital interpola cuando se cambia la profundidad de bits. (Es decir, convertir de 24 bits a 16 bits.) La normalización es independiente de la profundidad de bits, cambiando sólo el nivel de cada muestra. Dado que ninguna conversión de tasa de bits se lleva a cabo, no se requiere convertir.

OTRAS DEFINICIONES

La normalización puede significar unas cuantas cosas más. En el contexto del dominio de un álbum, los ingenieros suelen normalizar las canciones del álbum con el mismo nivel. Esto se refiere al nivel de percepción a juzgar por el ingeniero de masterización, y no guarda relación con el nivel máximo de cada pista.

Algunos sistemas también ofrecen "normalización RMS", diseñado para ajustar una pista sobre la base de su promedio, en lugar de pico de nivel. Este enfoque coincide con más intensidad con nuestra manera de interpretar. Sin embargo, la normalización de pico, que en última instancia, todavía requiere juicio humano para confirmar que el cambio funciona como se pretende.

Espero que se entienda más o menos bien ¿Qué os ha parecido, os ha gustado?

3 de julio de 2012

Effectology: Paisaje Sonoro del Laboratorio del Dr. Frankenstein por Bill Rupert

Effectology es el nombre del canal de Bill Ruppert en youtube, donde se dedica a mostrar impresionantes trucos para guitarra eléctrica combinados con los pedales, o stompboxes, del prestigioso fabricante Electro Harmonix.



En esta ocasión, que es anterior a la que ya publicamos sobre la banda sonora Blade Runner, nos muestra su particular paisaje sonoro de nada más y menos que del laboratorio del Dr. Frankenstein. Prestadle atención porque son ideas muy buenas. No deja escapar la lluvia, la electricidad que dará vida al monstruo e incluso al solitario lobo aullando bajo la lluvia.

Más información y canal de Effectology en youtube: http://www.youtube.com/user/Effectology


Esta es una pequeña selección de pedales de Electro Harmonix en Amazon:
Aquí puedes encontrar muchos más pedales de EHX: Búsqueda de Electro Harmonix

22 de junio de 2012

Cómo se Mezcla un Tema o Canción en un Estudio Profesional - Videotutorial en Español (20 minutos)

Este vídeo-tutorial de casi 20 minutos forma parte de una colección de vídeos didácticos gratuítos de los cursos de sonido de la escuela de sonido ars. Podremos conocer el proceso de mezcla de una canción en un estudio de grabación profesional, con ejemplos y explicaciones paso a paso.

Estas son las 2 partes que forman el vídeo sobre cómo mezclar un tema, espero que las disfrutéis. Descubriréis la forma de mezclar un estudio profesional y tal vez descubráis valiosos consejos, totalmente en castellano:




En su canal de youtube podréis encontrar algunos vídeos más. Espero vuestros comentarios al respecto. Si conocéis algún vídeotutorial similar avisadme también por los comentarios, os estaré muy agradecido.

1 de junio de 2012

Cómo Crear el Sonido de Bajo DubStep usado por Skrillex en el Tema Cinema con Massive y en solo 60 Segundos

A los que le gusten los bajos como los que usa Skrillex, en su tema Cinema, os dejo este cortísimo pero útil vídeo-tutorial en donde podréis intuir como conseguir tal sonido usando el sintetizador Masive de Native Instruments.



Los pasos son los siguientes:
  1. Crear un archivo "Nuevo Sonido" desde el menú.
  2. Seleccionar como forma de onda del primer oscilador "scrim".
  3. Bajar el tono de este una octava (12 medios tonos)
  4. Ajustar el decay de la envolvente ADSR al máximo
  5. Sincronizar los LFO con un ratio 1:4 y ajustarlos con la misma fase (cambiando la posición)
  6. Adelanta 1/4 la fase de la primera envolvente.
  7. Aplicar el ajuste del LFO sobre el Wt-Position del primer oscilador
  8. Aplicar distorsión clásica de tubo y Dimension Expander
El autor del vídeo avanza que el sonido no es muy exacto, aunque tampoco está tan mal. Espero que os sirva.



¿Lo habéis conseguido? ¿falta algún paso?

27 de mayo de 2012

Guía para escoger el amplificador de guitarra eléctrica que más se adapte a tus necesidades

Todos los guitarristas tenemos que pasar por varios procesos de aprendizaje. Lás técnicas, la escritura y lectura, etc. El sonido es sin duda una de ellas, y junto con la guitarra, el amplificador es la base del sonido.

Con esta pequeña guía, espero ayudaros a despejar algunas dudas a la hora de comprar un ampli; Consejos para comprar un amplificador:

Escoger la potencia adecuada para tu ámbito

La potencia es el punto principal o primera cuestión que deberíamos plantearnos. La potencia de un amplificador es la capacidad de amplificación de la señal de entrada que nos entrega a la salida y se mide en Vatios (W), Watts en inglés.

A grandes rasgos podrías separar a los amplificadores en 3 grupos:
  • Amplificadores para casa y estudio, por jemplo; los hay desde 3W -o menos- hasta 60W
  • Amplificadores para ensayos y conciertos en locales pequeños, que podrían ir desde 60W hasta 175W
  • Amplificadores para conciertos grandes, casi siempre suelen ser aproximadamente de más de 150W.
Hay que tener en cuenta que un ampli de mucha potencia tocado en tu casa, no va a sonar tan bien como un ampli de una potencia adecuada. Esto se acentúa en el caso de los amplis a válvulas. Los amplificadores estás construidos para sonar mejor con determinadas ganancias en la etapa de potencia. Afortunadamente, cada vez mas amplis con potencias mas reducidas y que incluso pueden funcionar con pilas.


Escoger la posible distribución o características del equipo

En ocasiones es muy recomendable usar combos, los cuales se trata de un previo, una etapa de potencia y un altavoz, todo insertado en el mismo cajón o caja. Este es razonable cuando tenemos que trasladar nuestro equipo con bastante frecuencia, porque tenemos un espacio reducido, no necesitamos demasiada potencia u otros factores similares.

La otra posible distribución sería separando el previo y la etapa en un cabezal y el altavoz o altavoces en otra cabina diferente. La mejor idea para cuando nos podemos permitir usar diferente módulos o cuando la necesidad de potencia es mayor o diferente en ciertas ocasiones. Muchas veces es la única opción cuando queremos cierto modelo de amplificador.

La tercera solución es usar todo por separado; previo, etapa de potencia y altavoces cada uno por su lado. También es muy usado pero solo suele usarse para cuando necesitamos una gran gama de previos para una misma interpretación. Es la opción más cara desde luego y no es que sea muy práctico para novatos.


Elegir una tecnología de amplificación que te ayude o te guste

La tecnología se hizo para satisfacer necesidades y deseos, así que no permitas que tu ampli no haga eso. Existen tres tipos de tecnología usada en los amplis:
  • Válvulas: Las válvulas más extendidas en el mundo de la guitarra son la EL34, EL38, 6V6, 6L6 y 6550. Cada una tiene unas características determinadas, y van a influir mucho en el sonido general del ampli. A grosso modo, estas son las características de estas válvulas:
    • EL34: graves nítidos, agudos brillantes y buenos medios.
    • EL84: tienen menor salida que las anteriores, pero tienen un sonido muy suave y con unos graves muy llenos.
    • 6V6: tienen un sonido “bluesero” con unos graves muy ricos.
    • 6L6: tienen un sonido redondo, con claridad y punch.
    • 6550: tiene un sonido muy limpio con muchos graves.
  • Transistores: Los transistores vinieron a sustituir a las válvulas hace ya muchos años. Casi ninguno de nosotros conserva en su casa aparatos electrónicos que usen válvulas. Excepto en los aparatos de audio mas caros. Las válvulas o tubos de vacío, tienen unas peculiaridades frente a los transistores que las hacen únicas y parece que costosamente sustituibles, aunque no del todo. El sonido que generan las válvulas de vació es muy cálido y distinguible aunque tienen varios puntos en contra. Estos son su vida útil y la necesidad de cuidarlas mínimamente. Aún así el problema de los amplificadores transistorizados convencionales padecen distorsión transitoria por intermodulación (TIM) y eso afecta negativamente la calidad del sonido. Todo lo contrario ocurre con los valvulares, cuya deformación se concentra en la segunda armónica. Esto significa que “su audibilidad es muy baja”. A pesar de que existen amplificadores carentes de esa contrariedad, la mayoría cuesta cerca de 4 mil dólares. A diferencia de los convencionales, utilizan componentes discretos y esto significa que hay transistores en cada etapa mientras que los circuitos comunes usan integrados para todo el equipo. Este es un tema muy extenso; al final de la guía podéis seguir un enlace sobre este tema.
  • Modelado Digital: El modelado digital se viene sirviendo de una etapa de potencia de transistores y una circuitería digital en donde se ensamblan diferentes diferentes elementos como microcontroladores o incluso microprocesadores. Estos elementos electrónicos contienen algoritmos que son los que generan y transforman el sonido de la guitarra proporcionándole el toque característico que le darían los amplificadores en la vida real, pero solo simulando ese sonido. La gran ventaja de esos amplis es que ofrecen una gran selección de sonidos, pero tienen una calidad muy pobre. No obstante es suficiente para practicar y tocar en la mayoría de conciertos que se nos puedan proponer.

Escoger un previo y efectos que te den flexibilidad o facilidad de uso


El previo es la parte del equipo de audio que más carácter aporta al sonido. Es muy importante en cuanto al sonido y tono de un amplificador. En él es donde se recoge el sonido limpio de tu guitarra y se amplifica levemente para pasar a la etapa de potencia con un nivel adecuando, no sin antes añadir, si lo deseamos, efectos y filtros.

Además es muy normal encontrarse con varios canales en un amplificador. El número de canales va a influir enormemente en la flexibilidad del amplificador. Cada canal es un tipo de sonido tal como el limpio, en donde la señal intenta ser lo más pura posible, el overdrive el cual añade un ligera distorsión en la señal de salida, y el distorsionado el cual produce una distorsión agradable al oído y que se consigue haciendo pasar la señal por una etapa, de válvulas o transistores sobresaturada o bien procesada digitalmente. Esto se hace en el propio cabezal, sin necesidad de pedales.

También es muy corriente encontrar amplificadores con efectos integrados. No tienen por qué ser peores, pero por regla general, si tenemos dos amplificadores por el mismo precio, y efectos por doquier, mientras el otro es mucho más simple, la calidad del segundo tiene más posibilidades de ser mejor. “Menos es más”.

Muchos amplificadores incluyen su propio pedal con el que seleccionar el canal y activar los efectos. Si no lo incluye, averigua antes el precio. En los de modelado digital se están excediendo con el precio de los pedales, que se suelen vender solo por separado.


Orientarse entre tantos precios y marcas

No siempre el amplificador más caro es el mejor. Lo ideal sería que probases un buen número de diferentes amplificadores basándote en las sugerencias anteriores. No te gastes lo que necesitas en un mes para comer. Ni algo que te vaya a quedar demasiado pequeño rápidamente por falta de potencia o expectativas en cuanto al sonido..

No te dejes llevar por las marcas ni los comentarios de conocidos. Lo mejor es que uses el que más te guste y hagas caso solo a los expertos o experimentados cuya opinión te pueda ser más interesante. Ten en cuenta que el canal limpio de un ampli es en lo que más deberías fijarte, aunque si te gusta la distorsión y crees que la vas a usar casi todo o todo el tiempo, este sería el canal al que deberías prestar mayor atención.

Compra amplificadores de segunda mano o seminuevos. Es mucho más fácil deshacerte de ellos por cualquier motivo ya que no te costaron tanto e incluso puedes rentabilizar la inversión.

Conclusión Final

Escucha todas las grabaciones que puedas de los amplificadores que más te gusten para ir descartando. Siempre que puedas pide que te dejen probar todos los amplis que puedas. Muchos te sorprenderán.

Para los más novatos, en cuenta que un amplificador de 65 Wattios de potencia ya alcanza un volumen considerable para ensayar con más gente y uno de 80 es perfecto, aunque si puedes permitirte uno de 100W mucho mejor. Para los más aventajados el mejor consejo es que se fíen de sus oídos y de sus propios gustos.

Me ayudado en gran parte de esta otra guía: bloguitar.es/trucos-y-consejos/consejo...
Si os interesa el tema podéis leer este interesante artículo sobre "Amplificadores transistorizados vs. amplificadores valvulares": http://matias-aizpurua.suite101.net/amplificadores-transistorizados...





26 de mayo de 2012

Reproducción y Procesamiento de Audio en Tiempo Real con la Placa Libre Arduino

Este es un experimento para mostrar cómo se pueden hacer algunas técnicas de procesamiento de audio en tiempo real con el hardware Arduino.  Necesitaremos además un código que podremos descargar en la fuente original, al final de la entrada.
Para los que no lo sepan; Arduino es una plataforma hardware abierto basada en una sencilla placa de entradas y salidas y un entorno de desarrollo que implementa el lenguaje de programación conocido como Processing/Wiring. Podéis ampliar la información aquí.


PROCESAMIENTO DE AUDIO EN TIEMPO REAL

El primer conjunto de ejemplos de este proyecto que os traigo consiste en alternar una misma señal de audio entrante para ponerla de nuevo en la salida de audio. Lograremos así efectos como reverberación, Phaser, Flanger y Ringmodulator. En el segundo conjunto de ejemplos, se ponen formas de onda en la salida tales como la onda senoidal, obteniendo de este modo sonidos parecidos a los de una de campana y un xilófono.

El proyecto es bastante completo e implementa el DC Offset para compensar los desajustes de señales digitales. También incluye un Ringbuffer con el que enviar audio a la memoria y crear el primer tipo de efectos. Se hablará de la Wave Table o Tabla de Ondas para procesar el sonido y añadir así modulaciones por la envolvente y obtener sonidos nuevos.

Podéis ver el experimento completo y descargar el código fuente, además de consultar el foro y demás aquí: http://interface.khm.de/arduino-realtime-audio-processing/...



REPRODUCTOR DE AUDIO SIN COMPRESIÓN

Este es otro proyecto que podría hacer buenas migas con el mencionado. Se trata de un reproductor de archivos de audio sin comprimir de cualquier duración a 22 kHz y 12 bits. Es de bajo costo y descrito como muy fácil de hacer. Tiene un DAC (convertidor de analógico a digital) integrado, filtro y amplificador operacional para una salida de alta calidad. Los archivos de audio se leen de una tarjeta SD / MMC. El volumen puede ser controlado con el potenciómetro también integrado. La aplicación más destacada para este proyecto por separado sería como looper, banco de sonidos, sampler, etc.

Reproductor de archivos de audio: http://www.ladyada.net/make/waveshield/

25 de mayo de 2012

La Banda Sonora de Blade Runner con Guitarra Eléctrica y Pedales de Efectos: Effectology

Effectology es el nombre del canal de Bill Ruppert en youtube, donde se dedica a mostrar impresionantes trucos para guitarra eléctrica combinados con los pedales, o stompboxes, del prestigioso fabricante Electro Harmonix.

En este, su capítulo número 25, se ha propuesto emular muchos de los sonidos y melodías de la banda sonora de Blade Runner compuesta por Vangelis. El resultado es espectacular:



En el canal de Effectology descubriréis muchísimos otros trucos mas, no dejéis de echarle un vistazo.

Canal de Effectology en youtube: www.youtube.com/user/Effectology
Más información (Visto en): Celiar Structures: Effectology...

Esta es una pequeña selección de pedales de Electro Harmonix en Amazon:
Aquí puedes encontrar muchos más pedales de EHX: Búsqueda de Electro Harmonix

13 de mayo de 2012

7 (+1) Consejos / Trucos para Agilizar tu Estudio de Grabación / Producción

Además de tener cada cosa en su sitio y todo bien ordenado, existen pequeños detalles que pueden hacer que empezar a grabar en nuestro estudio sea cuestión de segundos:
  • Ten todo listo y conectado. Si acabas de adquirir el aparato que necesitabas para completar tu estudio lee con mucha atención las instrucciones de ese y cada uno de los dispositivos que uses para conocerlos mejor y detectar posibles incompatibilidades. Prevé el peor estadio posible adquiriendo cables y accesorios tales como ladrones para enchufes, convertidores y acopladores para cables suficientes, etc. Ten al menos una caja de inyección. Fusibles, soldador de estaño y estaño, herramientas tales como destornilladores, alicates, llaves de varios tipos y tamaños y un polímetro son indispensables para no enviar a tu banda de vuelta a su ciudad.
  • Identifica el cableado con colores o marcas en los extremos. Seguir un cable hasta el final para saber cual es el conector hace que perdamos valiosos segundos antes de grabar. Tenerlos marcados te ayudará a identificar bien cada conector sin equivocaciones y de manera automática. Usar cables de colores también es buena idea.
  • Ten una tabla de frecuencias a mano. Así sabrás en todo momento que frecuencias filtrar. Además, tener la documentación más completa posible de tu equipo te ayudará en muchos casos, por ejemplo; a saber que micrófono dará mejores resultados para determinado instrumento y determinado estilo o carácter dar. 
    • Evita tomas falsas para no perder tiempo. Consigue una caja con tapa o similar que ponga "Móviles Aquí, por favor" para que nadie se despiste si suena ni se acerquen a ningún equipo ni micrófono. Vigila bien que tus cables tengan el balanceo necesario y alejalos, junto con la mesa e interfaces de cualquier fuente de radiación tales como cables con mucha tensión eléctrica, fuentes de alimentación y luces. Intenta que nadie los pise mientras se graba. El aislamiento es muy importante así que cierra las ventanas y coloca un cartel en la parte de afuera que ponga "Grabando, no molesten". Ten líquido para mejorar las conexiones de los circuitos eléctricos también a mano.
    • Usa plantillas en tu secuenciador y mezclador; prepara tus efectos básicos y preferidos en las pistas que necesites para cada una de las situaciones diferentes -distintas formaciones y en distintos estilos- que suelas grabar, por adelantado. En tu mezclador intenta tener listas, pistas, inserts, automatizaciones, etc. También es conveniente que prepares tus propios presets o configuraciones de tus efectos digitales tanto en el PC como en tus equipos hardware. 
    • Haz una copia de seguridad de todas tus grabaciones originales. Antes de aplicar cualquier efecto o mezcla es muy positivo conservar la grabación original por si algo pasase y no pudiésemos recuperar el audio de la grabación original. Subir esos archivos a la nube no es mala idea en caso de un fallo de nuestro disco duro u otros problemas. Si grabas por pistas y tienes espacio suficiente puedes guardar cada una por separado. Usa un buen método para guardar tus grabaciones originales y haz siempre copias de seguridad a dispositivos tales como DVDs o servicios de alojamiento en la nube si puede ser en ambos e inmediatamente en alguno de ellos mejor. 
    • Reutiliza el viejo material informático que creías obsoleto. Por ejemplo; los viejos monitores que no uses; si es necesario compra o reutiliza mas tarjetas de vídeo para aumentar el apartado gráfico de tu ordenador en caso de usar uno solo. No es necesario que uses tarjetas gráficas muy potentes, cualquier te servirá bien dependiendo de tu monitor. Ten en cuenta que los de tubo emiten mucha mas radiación, sobre todo hacia la parte trasera. Recuerda que si tu tarjeta tiene 2 salidas de vídeo ya puedes instalar una segunda pantalla sin problemas ni aplicaciones extra. Lleva a la nueva pantalla la mesa de mezclas virtual si la usas o cualquier otra aplicación como pueden ser las de monitorización de los canales preferentemente. Usa tus antiguos discos duros que no den problemas para hacer copias de seguridad de tu material.
    • Modifica lo que necesites y mejora lo que mas uses. Busca el controlador MIDI, interfaz de audio y/o mesa de mezclas que mejor se adapte a tus necesidades, si ya lo compraste hace años tal vez ahora tengas otras preferencias. Es muy probable que a alguien le haya pasado lo mismo, proponle un cambio de equipo o una compra/venta. Si te sobra algo y necesitas de otra cosa proponte vender lo que te sobra y financiarte en parte o totalmente lo que necesites. Tener todo en orden, un buen asiento, teclado y ratón son muy recomenadables también.
    Si tienes cualquier otro consejo, sugerencia, duda o lo que sea no repares en comentar. Un saludo muy fuerte.

    18 de abril de 2012

    ¿Conocías Todos estos Tipos de Síntesis de Sonido?

    En este apartado pretendo explicar de una forma más o menos sencilla el funcionamiento de las diferentes síntesis del sonido de los sintetizadores aplicables tanto los analógicos como a los digitales, hardware o software:
    • Síntesis mediante modulación de frecuencias (FM): consiste en variar la frecuencia de una señal portadora con respecto a una segunda (denominda moduladora), generando finalmente una “onda modulada”. La FM puede generar salidas de señal complejas que contengan múltiples frecuencias con sólo dos osciladores. La síntesis por modulación usa usualmente de dos a seis osciladores mientras que la síntesis aditiva o la síntesis substractiva requieren de un oscilador por cada variación de onda. 
      • La modulación de frecuencias para la síntesis de sonido se divide en:
        • Modulación de Frecuencias multi-portadoras (MC FM)
        • Modulación de Frecuencias multi-moduladoras (MM FM)
        • Modulación de Frecuencias por Retroalimentación (feedback)
    • Síntesis substractiva: método de sintetización de sonido donde una señal rica en armónicos es generada por uno o varios osciladores que poseen diferentes tipos de forma de onda en referencia a su forma. Esta señal es después filtrada para substraer (de ahí su nombre) las frecuencias que no queramos reflejar en la señal final con el fin de buscar la sonoridad deseada. La forma de filtrar estas frecuencias es usando Filtros controlados por tensión (VCF).
    • Síntesis aditiva: Consiste en la combinación de varios osciladores para conseguir un nuevo sonido o timbre. En este tipo de síntesis es muy importante la utilización de diferentes envolventes (ataque, caída, parte sostenida y extinción) para cada oscilador que le dan dinámica y expresividad al sonido resultante. Es la más utilizada para emular sonidos de instumentos reales.
    • Síntesis granular: síntesis experimental por tiempo y frecuencia a nivel cuántico de tal forma que cambios en la señal relacionados con el tiempo alteran el timbre de un sonido y viceversa. De ahí se obtienen altas densidades de "cuanta acústica" que se pueden llamar "gránulos''. Un gránulo sonoro es un fragmento sonoro de muy corta duración (entre 5 y 100 ms) a los cuales se les aplica envolventes suaves para evitar “chasquidos”. Al repetir varios gránulo en una sucesión a una tasa mayor a 20Hz, los gránulo se funden produciendo un sonido continuo. Es así como cada gránulo del tipo "gránulo de Gabor'' posee una forma de onda independiente de la duración del gránulo. Más información aquí.
    Iannis Xenakis fué el primero en explicar una teoría explícita para la composición con gránulo de sonido ya en la década de 1960:  "Todos los sonidos, inclusive en una variación continua, se conciben como un ensamblaje de un gran numero de sonidos elementales que están adecuadamente dispuestos en su lugar en el tiempo. En el ataque, cuerpo y desvanecimiento de un sonido, miles de sonidos mas puros aparecen en un intervalo de tiempo mas o menos corto". 
    • Síntensis Pulsar (o síntesis de pulsos o de tren de pulsos) es una forma de síntesis granular llamada así por los neutrones que giran con una frecuencia de 0.25 Hz a 642 Hz en el espacio. El sintetizador Nuklear es un ejemplo.. Se controla mediante 2 parámetros:
      • La frecuencia fundamental
      • Frecuencia de ciclo de trabajo  
    • Síntesis mediante tabla de ondas: o Wavetable es una técnica de sintesis de sonido utilizando sistemas de muestreo digital almacenando sonido de alta calidad y reproduciendolo cuando se solicite. Dado que las tablas de onda pueden ser sínteticas, pero también proceder desonidos reales, la síntesis por tabla de ondas se utiliza frecuentemente para emular instrumentos reales. Este método se acerca mucho al sampleo diferenciandose en los métodos de compresión.
      • Síntesis por modulación de amplitud (AM): De igual manera que la síntesis mediante modulación de frecuencias (FM), la señal portadora es, ahora, modificada en amplitud por la moduladora,
      • Síntesis por modulación en anillo (RM):Aunque también es una modulación en amplitud, lo que realmente se hace es multiplicar la portadora por la moduladora, generándo así sonidos más chirriantes.
      • Síntesis mediante distorsión de fase: Basándose en osciladores digitales, trata de reproducir aleatoriamente una forma de onda previamente almacenada, consiguiendo así saltos de fase y, por tanto, adición y/o eliminación de armónicos a la señal de salida. Un ejemplo lo tenéis aquí.
      • Síntesis mediante modelado físico: Destinada a la emulación de instrumentos existentes se basa en las propiedades físicas de cada instrumento a emular. Requiere el uso de microprocesadores específicos debido al cálculo en tiempo real generando así sonidos muy realistas.
        • No estoy seguro de si esto debería encajar aquí; se trata de la síntesis por reestruturación de Wolfgang Pal de la que publiqué una entrada sobre su plug-in recientemente.
      • Síntesis Híbrida o mediante combinaciones de las anteriores: estos sintetizadores usan diferentes técnicas para lograr otros sonidos. Alguno puede ser el Projectx1, el cual usa síntesis de substractiva, FM y de fase.
      • Síntesis Espectral: Podéis verlo en este vídeo: http://youtu.be/SEy-dlp7lLo Se trata del uso del espetograma en un sintetizador espectral, demostrado con el Izotope Iris y el Camel Audio Alchemy.

      Si te ha parecido interesante, incorrecto, imcompleto o cualquier otra cosa deja constancia de ello en un comentario.

      6 de abril de 2012

      Procesadores de Dinámica o Señal: Compresión y Limitación. Primeros Pasos y Conceptos Básicos

      Álvaro Luis Moreno Benavente publicó en FB; Intentaré explicar con la mayor brevedad y claridad posible la cuál es la aplicación básica de los procesadores de señal o dinámica (me centraré en el compresor y limitador, hay más, como de-esser, expansor, etc) en las grabaciones musicales.No miraré apuntes, de esta forma saldrá más natural.

      EL COMPRESOR

      Cuesta años pillarle el truco, pero una vez lo consigues, se convierte en una herramienta indispensable tanto a la hora de grabar, como en el proceso de mezcla y masterización.

      Un compresor controla y reduce el nivel de la señal, afectando a la dinámica (con un compresor hay menos dinámica ya que hay menos diferencia entre la señal más baja o ruido y la señal de mayor nivel), consiguiendo tener un mayor control sobre los cambios bruscos de señal que no nos interese de un instrumento (compresión de pico) o comprimiendo de forma constante para conseguir un nivel uniforme en una canción (compresión RMS).

      Además de su principal función, un compresor añade un carácter sónico. Tanto en terreno analógico como cada vez más en digital, con sólo añadir por inserto un buen compresor, tu mezcla sonará más empactada, sin necesidad de ajustar parámetros y comprimir la señal. Esto es debido a la incorporación de armónicos pares que, según la cantidad y su distribución, hará que tu mezcla suene de una forma u otra. Más presencia de armónicos en bandas de medios se acercará a un sonido inglés y más presencia de armónicos en bandas graves y agudas se acercará a un sonido americano.

      Los controles con los que os tenéis que familiarizar son los siguientes:

      • Threshold o umbral: Marca el límite a partir del cual el compresor empezará a actuar. Si tenéis un solo de guitarra que en un determinado momento pega un petardazo a unos -5 dB y el resto del pasaje tiene un nivel en torno a los -10 dB, si situáis el umbral en -10dB, indicáis al compresor que ese es el límite a partir del cual queréis controlar el nivel de la señal, y ese petardazo estará más controlado.
      • Ratio: El umbral por sí solo no actúa, precisa del ratio. Es una relación de entrada-salida. Un ratio de 2:1 significa que por cada dB que supere el umbral, se reduce el doble. Lógicamente un ratio de 9:1 es mucho más estricto, por cada dB que supere el umbral, la reducción es de 9 dBś. Si echáis un ojo a los presets de vuestros compresores, os daréis cuenta de que ratios elevados están asociados a instrumentos graves (bombo, bajo, guitarras eléctricas en algunos géneros musicales) y ratios suaves están asociados a instrumentos medios, medios-agudos así como a la fase de mástering. En instrumentos que un nivel de presión sonora elevado (Fuerte SPL), el ratio es moderado-alto.
      • Attack, Release, Knee: Una vez elegimos el umbral y cuál será la cantidad de reducción que queremos, elegimos el ataque (y aquí hay que tener en cuenta unos cuantos conceptos simples de acústica). EL ataque determina la rapidez en la que el compresor empezará a actuar una vez sobrepase el umbral. Los instrumentos graves han de tener un ataque no menor de 20ms (esto es debido a la longitud de onda, si el ataque es muy corto se estará afectando al ciclo de la señal y propiciará artefactos sonoros como popeo, chasquidos, aparte de que no sonará natural) y un release medio-largo dependiendo de la finalidad artística. Probad en un bombo o en un bajo, si el release es corto, cortaréis la cola, si es al contrario, le dejaréis una cola. Depende de lo que busquéis. Hay recomendaciones, pero todo es probar.
      • Knee o codo no es ni cuándo, ni qué cantidad ni con qué rapidez, es la forma de la curva de compresión. Con un codo suave, el compresor empezará a comprimir ligeramente antes de que sobrepase el umbral (consigue una mayor naturalidad y sutileza y es muy utilizado en instrumentos agudos, tales como overheads de batería) y si el codo es duro, el compresor empezará a actuar inmediatamente el nivel de señal supere el umbral (muy utilizado la mayoría de las veces, en instrumentos graves y graves-medios). La mayoría de compresores no incorporan "Knee", por lo que por naturaleza actúan como si el codo fuera duro.


      Cómo comprimir:

      Una vez pilléis el concepto, más que aprenderos de memoria el ratio de compresión de un instrumento u otro, probad lo siguiente: Coged una pista de un instrumento solista (voz por ejemplo), elegid un ataque y relajación lo más rápido posible, un ratio muy elevado y el umbral lo ajustáis en el momento en el que se empieze a comprimir (no os puedo dar un valor ya que dependerá del nivel de vuestra señal). ¿Veis que se está comprimiendo, verdad? ES momento de ajustar el ataque y la relajación. Tenéis que conseguir comprimir en el momento que suena la voz y tenéis que dejar de comprimir en el momento en que esa vocal o esa consonante deja de sonar (esto último lo conseguiréis con el parámetro release). Una vez conseguís comprimir a la velocidad que os interesa, elegid un ratio adecuado (en el caso de la voz, el ratio gira en torno a 2:1 y 4:1). Finalmente, existe el parámetro ganancia o compensación de salida, que viene a ser que, una vez que conseguís comprimir de forma más o menos correcta, fijaros cuál es el nivel medio aproximado de reducción en dBś (en mastering y en instrumentos que no sean graves, os recomiendo una reducción de no más de 4 dB) ¿Tenéis 4 dBś? Pues subid la ganancia de salida 4 dB y ahora, mediante EL CONTROL MÁS IMPORTANTE DE TODOS, EL BYPASS, comprobad cómo suena el instrumento comprimido, y sin comprimir. Probablemente suene con mayor nivel aparente cuando está comprimido, eso es debido a que el mero inserto de un compresor añade presencia a un instrumento. Siempre tened a mano el bypass, así no perderéis el norte.

      En cuanto a los tipos de compresión (paralela, sidechain, multi-banda, m-s, en bus, etc) lo dejamos para otro día, cuando me vayáis comentando que más o menos le vais pillando el truco a la compresión, en un nivel básico.

      EL LIMITADOR

      Un limitador es un compresor con un ratio de -infinito a 1, aunque en realidad a partir de 20:1, un compresopr empieza a actuar como un limitador. Muy utilizado en terreno broadcast y grabaciones musicales desde el surgimiento de lo digital, limitando impedimos que haya saturación, clipping (superar 0 dB en digital) o simplemente dañemos los altavoces. Un buen limitador debe de tener un ataque muy rápido (hablamos ahora de macrosegundos, no milisegundos) y la aplicación correcta es controlar los picos más altos de señal y que el limitador no esté actuando constantemente (grave error que se ha ido cometiendo en los últimos años debido al loudness war o guerra del volúmen). Existen diferentes modos de limitación y algoritmos según el fabricante que afectan a la rapidez de actuación así como la detención inteligente de transientes, etc. Mi consejo es que siempre lo utilizéis como última inserción en el bus máster en la fase de masterización, que controléis los picos de señal con un umbral de -0.01 o -0.03 y que no tengáis una reducción mayor que 3-4 dB.

      Podéis verlo y seguir los comentarios en este grupo de Facebook.
      ¿Que os ha parecido?¿Os gustaría añadir algo?¿Os ha gustado?

      Tenéis otro buen artículo sobre el compresor en este enlace.