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15 de junio de 2014

La geometría sónica : El lenguaje de la frecuencia y la forma

Existe un rumor en la red que afirma que la actual frecuencia asignada al tono de 'La' (A para la nomenclatura anglosajona) ha variado en el tiempo desde los 432 iniciales a las 440 actuales. Puedes leer más sobre esto en esta entrada que publiqué hace un tiempo.

Para Pitágoras la geometría y las matemáticas tenían la clave de la naturaleza y la vida. Para este genio y muchas otras personas que vivieron antes y después de él el número 432 tenía una gran importancia.

Si de 432 cogemos sus números y los sumamos (4 + 3 + 2) nos da 9. Aunque te suene raro, el número 9 tiene, se podría decir, una importancia mayor que el resto. Me gustaría que vieses este breve vídeo para que compruebes que no me invento nada:




Visto el anterior vídeo, podrás darte cuenta que inesperadamente, todas las formas básicas, representadas como tonos formarán un acorde mayor en Fa sostenido. ¿No te lo crees? Mira el siguiente vídeo y descubrirás otras cosas que te dejarán cuanto menos perplejo.




Tener como referencia para la afinación 432 Hz parece que tiene más sentido que los 440. Ahora la música parece algo más natural ¿no crees?. Platón habría dicho muy alto que sí. No me negaréis que no tiene sustento matemático. Con las figuras en 3 dimensiones ocurre lo mismo. Pues eso sólo es el principio...

Es algo que nos hemos estado perdiendo por años. El vídeo continúa en la parte 2 y hay muchas más cosas interesantes. ¿Qué te parece? ¿Tenemos todos los instrumentos mal afinados? Espero tu opinión.

Si crees que esto no tiene porque afectar a los humanos piensa en la flauta para pulmón.

7 de octubre de 2013

Vídeo 'Así se hacen las válvulas de vacío'

Las válvulas de vació, también llamados tubos o bulbos de vacío fueron unos componentes vitales para el gran desarrollo de la electrónica comenzando con ellos el procesamiento y amplificación de señales de radio, televisión y muchos otros fenómenos como los primeros ordenadores.

Con el tiempo, la aparición del transistor que tenía mejores cualidades prácticas, menor espacio, costo y mantenimiento dejaron a las válvulas de vació relagadas a un segundo plano. Sin embargo, los transistores, a pesar de ser mucho más estables, no gustaron a lo audiófilos, cuyas válvulas lograban un sonido más cálido y natural.

En este vídeo de la serie Así se Hace no nos enseñarán como funcionan, ni a que se deben las cualidades que provocan un audio tan buscado, pero sí lo complejo que resulta fabricarlas de manera artesanal:


Supongo que serán una minoría las válvulas que todavía se fabrican a mano pero aún así está claro que son unos artículos delicados y que pueden llegar a ser muy exclusivos.

¿Qué os ha parecido? es así déjanos un comentario para conocer un opinión o comparte!

30 de septiembre de 2013

El efecto rolling shutter en unas cuerdas de guitarra

Dave Prado -al cuál entrevistan aquí después de  tocar con Maná gracias a un concurso- colocó su iPhone 4 dentro de su guitarra capturando lo que se ve por el agujero de la caja.

En la descripción del vídeo en youtube tenemos los pasos a seguir para grabar el vídeo: "En mi caso, tuve que subirme al techo, meter el celular a la boca de la guitarra y grabar el vídeo acostado boca arriba, para que la luz del cielo le diera un mayor contraste a las cuerdas."




Aunque la guitarra está afinada en do -lo que provoca una oscilación mayor de las cuerdas-, el efecto que se ve en el vídeo se debe a que la cámara frontal del iPhone 4 graba a 30 fps -o fotogramas por segundo-.

Este efecto llamado "rolling shutter" y se produce al grabar imágenes con movimientos muy rápidos con cámaras con sensores digitales. Estos sensores hacen un barrido digital de una imagen que lleva un tiempo y la imagen termina por deformarse al reconstruirse finalmente. En este vídeo eso ocurre 30 veces cada segundo.

Lo más interesante es ver como se forman ondulaciones totalmente diferentes en anchura -lo que definiría el tono- y forma -el timbre-. Todas diferentes pero a la vez.

En realidad la forma (creo que) no se trata del movimiento que hacen las cuerdas si no de una deformación de la imagen. La imagen real se va convirtiendo a píxeles, en este caso -con la cámara en vertical- de arriba a abajo y cuando el sensor llega a la siguiente columna de la matriz de píxeles la cuerda ya se ha desplazado. En el vídeo no se notan espacios como si las cuerdas estuviesen cortadas ya que no tienen excesiva velocidad.

Lo que sí que se puede apreciar con relativa exactitud es diferente frecuencia en cada cuerda -ya se nota en la imagen preliminar del vídeo-.

¿Qué te ha parecido? ¿Lo compartes?

14 de septiembre de 2013

Metrónomos sincronizándose de forma dinámica y natural ¿adivinas cómo?

Los metrónomos mecánicos constan de una caja que puede ser de diferentes materiales y de una varilla metálica con una pesa que puede desplazarse a lo largo de la misma. Al inclinar la varilla esta se comporta como un péndulo invertido de frecuencia ajustable.

Parece sencillo, pero ¿qué crees que ocurrirá si pones 32 metrónomos, ajustados al mismo tempo pero desincronizados, colocados sobre una superficie móvil?



Este fenómeno se debe a que parte de la energía cinética de cada uno de los metrónomos afecta a todos los demás a través de la superficie móvil, que funciona como transporte cinético. Al mismo tiempo los metrónomos afectados están enviando también parte de su energía al resto de metrónomos por la misma vía. Finalmente todos -incluso el que se resiste- terminan por sincronizarse junto con la plataforma móvil.

Visto en: www.bateriaypercu.info/

25 de junio de 2013

Convirtiendo pianos de juguete en teclados MIDI

La construcción de un dispositivo MIDI es siempre un gran proyecto de microcontrolador, y casi todo el mundo tiene un teclado viejo juguete tirado en el fondo de un armario o en el sótano. JenShen decidió tomar uno de estos teclados de juguete y construir un teclado MIDI .

El teclado utilizado fue un simple teclado Casio con función de voz. Después de arrancar las entrañas del teclado, lo único que queda es la fila de botones debajo de las teclas. Estos botones se colocaron en una matriz fila / columna, por lo que JenShen necesitaría decodificar esta matriz antes de enviar el resultado a un Arduino para su procesamiento.




Un registro de desplazamiento 74HN595 se usa para leer las 8 filas de botones de debajo de las teclas, mientras que las filas estaban ligados a los pines de entrada diferentes en el Arduino. Esto permitió escanear la matriz de teclado con el Arduino y generar notas MIDI y enviarlas a otros sintetizadores.

En el vídeo puedes echar un vistazo al circuito y al código que le permitió al autor convertir un teclado de juguete en la correspondiente de 32 notas del teclado MIDI. No es sensible a la velocidad, pero él dice que va a mostrar a todos cómo lograr esto en un futuro.

Visto en: Volviendo pianos de juguete en teclados MIDI

12 de junio de 2013

Landfill Harmonic: Orquesta de instrumentos hechos de basura

Los niños de Cautera, un barrio pobre de Paraguay construido en parte sobre un vertedero, pueden estar bien agradecidos a Szarán, director de orquesta, y a Favio, profesor de música. Entre ambos han formado varios cursos musicales entre los que se encuentran la construcción de instrumentos a partir de la basura que llega a su poblado.



Ellos mismos han montado el siguiente vídeo. Si te interesa puedes visitar su página en FB:
Más información (y visto en): ibytes.es

21 de febrero de 2013

Mejor sonido con altavoces de cáñamo

Hace tiempo a alguien se le ocurrió cambiar el papel o cartón convencional que se utiliza para hacer los conos de los altavoces por un papel de cáñamo. El resultado de esta hazaña, dicen, fue y sigue siendo gratamente sorprendente.


Por sus virtudes esta planta acompañó al humano a lo largo de prácticamente toda su historia. En China se hace referencia a su explotación desde hace unos ocho mil años. En España se cultivó durante varios siglos seguidos con reconocimiento oficial especial, sirviendo para la confección de vestidos, velas navales y piezas de barcos, cordajes, papel... Las velas de Cristóbal Colón, la bandera estadounidense y los papeles con que se declaró su independencia fueron confeccionados con fibra de Cannabis. Wikipedia.

Tone Tubby es la marca de amplificadores para guitarra que usan altavoces con este material. Entre sus clientes se encuentran fabricantes como Mesa Boogie, Dolby Laboratories, Lucas Film y músicos como Pearl Jam, Van Halen, REM, Carlos Santana, Keith Richards y Metallica.



Su fabricante asegura que “Hay más música saliendo de un Tone Tubby, que tienen más tonos. Cuando oigo los conos de papel, puedo ver los agujeros entre las notas. Espacios. Los conos de cáñamo llenan todos los espacios. Tienen una superficie pulida y lisa, no puntiaguda. Y tiene unos bajos más completos, que golpean.”

Una de las posesiones de Harrison más preciadas es una pila de 50 campanas de amplificadores que pertenecieron a Jerry García, el fallecido líder de Grateful Dead. “He construido algunos de los altavoces para Carlos Santana utilizando algunas de esas campanas. Piensa en el karma de esos altavoces. Jerry tocó a través de ellos, y luego Carlos tocó a través de ellos.”Visto en: http://noticiasaudio.com/...
Más info en: http://www.wired.com/gadgetlab/

15 de febrero de 2013

Cuando para ser reconocido como un buen músico tienes que falsificar tu propia música

Hay que ser 2 veces bueno

Fritz Kreisler (Viena, 1875 - Nueva York, 1962) ya está considerado como uno de los principales violinistas virtuosos del siglo XX, además de un compositor de mérito.

Lo curioso es que esto sólo se supo a partir de 1935, cuando el mismo reveló que durante 30 años había estado tocando sus propias composiciones atribuyéndoselas a otros como Vivaldi, Couperin, Porpora o Pugnani.

Dijo que solo así consiguió la atención merecida y la venta de trabajos musicales que de otra manera, los más probable, nunca hubiese tenido el éxito que se esperaría.

Como agregaba el periódico Portland Oregonian. "¿Qué hubiese pasado si no hubiese confesado?" O dicho de otra forma, ¿cuántas obras maestras son falsificaciones descubiertas?

Visto en: http://www.futilitycloset.com/...
Más información (Wikipedia): http://es.wikipedia.org/...

26 de diciembre de 2012

¿Cómo cambiar completamente los sonidos de una batería? Prueba con Groove Analogizer

Pues con Groove Analogizer de Nusofting. Es como una caja de ritmos software de toda la vida, pero el sonido de percusión es desencadenado por una entrada de audio, no de un mensaje MIDI, como es típico.


El desencadenante puede ser cualquier tipo de sonido de percusión, tanto mono o estereofónico, como un archivo wav u otro instrumento VST. En realidad es una caja de ritmos plug-in VST pero que sintetiza sonidos a partir de otros sonidos.

Lo puedes usar para cambiar completamente el sonido de una batería grabada o para hacer un directo con sonido fuera de lo común.

Antes había que pagar pero ahora es GRATIS (Pulsad en botón cerca de donación, y si queréis podéis donar). Más información en: http://nusofting.liqihsynth.com/

17 de noviembre de 2012

La importancia del equipo en estudio y directo




No es menos cierto que la popularización de la tecnología ha hecho que ciertas herramientas estén al alcance de la mayoría: hace años usar un compresor como el del master bus de la SSL 4K estaba solo limitado a unos pocos afortunados. Hoy en día, existen diversas recreaciones más o menos precisas, de todos los precios (Cytomic, UAD, Waves, Native Instruments, FXPansion o el próximo Ableton Live 9), que permiten acceder a este preciado efecto. 
¿Significa que mis mezclas sonarán igual que Andy Wallas o CLA? No, porque detrás de una herramienta hay alguien que tiene el talento para usarla. Hispasonic.

16 de noviembre de 2012

19 Herzios: La frecuencia del miedo




"En la década de 1980, el ingeniero británico Vic Tandy estaba trabajando en el diseño de un equipo de laboratorio médico en un hospital supuestamente embrujado en Warwick (U.K.). Se empezó a difundir entre el personal que la gente era perseguida por fantasmas, algo que Tandy atribuyó a los estertores silbantes de las máquinas de soporte vital que operaban en el edificio" ...continúa en cookingideas.

20 de agosto de 2012

La síntesis FM: origen y usos de esta forma de generación de sonido

Durante la década de 1960, John Chownin, un profesor e investigador de psicoacústica de la Universidad de Stanford (California), experimentando con el vibrato se dio cuenta que conforme este se acelera también se empiezan a percibir cambios de timbre, por lo tanto van apareciendo sonidos distintos. A partir de eso desarrolló la llamada síntesis de frecuencia modulada, uno de los muchos tipos de síntesis de sonido.


Ejemplo sonoro de un fragmento de su obra experimental Sabelithe,  considerada la primera pieza en usar síntesis FM. Este extracto es especialmente interesante porque va transformando progresivamente el sonido de un tambor en el de una de una trompeta, todo hecho digitalmente por software en 1966.

Creyendo que su idea tendría futuro en 1973 la publicó en un artículo y la patentó. Empezó a contactar con diversos fabricantes de componenetes electrónicos y sintetizadores. Según Chownin relata en una entrevista no le prestaron atención debido a que todos trabajaban con sistemas analógicos y por tanto sus novedosos métodos resultaron muy distintos a todo lo que se venía haciendo hasta entonces. La cosa cambió con Yamaha.

La empresa japonesa compró la licencia e implementó de manera muy efectiva,  según el propio Chowning, los algoritmos de FM en circuitos integrados en lo que sería un buen movimiento comercial que dura hasta nuestros días. Pero.... ¿Cómo suena la FM ?¿Qué dispositivos la usan? El aparato que sin duda más ayudo a popularizarla fue el DX-7, un teclado sintetizador programable lanzado al mercado en 1983 por Yamaha. Fue ampliamente usado y contribuyó de manera decisiva al la estética musical de los 80. Con el paso del tiempo se convirtió en máquina de culto.

Pero no todo acabó en los 80. En los 90 los chips de FM se convirtieron en una opción muy rentable para añadir sonidos complejos a diversos aparatos. Así la consola Sega Mega Drive incorporó el chip OPN2 y muchos ordenadores de sobremesa la tarjeta de sonido Creative Sound Blaster 16 el OPL2. Ambos chips también fabricados por Yamaha. La patente de la FM expiró hace ya unos quince años.

Más información y visto en: http://www.sawsquarenoise.com/...

15 de agosto de 2012

El cine manipula nuestras emociones con la música de las películas

Se sabe que aspectos como la velocidad o el volumen de un sonido son utilizados por los responsables de la banda sonora de una película para crear tensión y provocar emociones. También se sabe que ciertos acordes provocan cierto tipo de inquietud; pero lo que no todos sabíamos es que algunos de estos sonidos, definidos como sonidos no lineales, son un sistema muy utilizado en el reino animal para expresar el miedo y la angustia.

Científicos, que han estudiado la llamadas de alarma no lineal de las marmotas o las ardillas, relacionan a Janet Leigh (en la ducha de “Psicosis”), con su grito mezclado con el violín palpipante, con el sonido de auxilio de estos animales. Además afirman que muchos de los momentos emocionalmente más terroríficos de las películas populares hacen surgir la natural aversión del cerebro humano al sonido “no-lineal”, que tanto miedo da a los vertebrados.

Los sonidos se hacen no-lineales cuando se sobrepasa su volumen más allá de cierto punto o cuando se hacen “ásperos” saltando fuera del rango normal de nuestras cuerdas vocales. Y las bandas sonoras contienen algo más que música, ya que los ingenieros de sonido pueden crear sonidos difícilmente reproducibles por un individuo normal, lo que ofrece un miedo extra a lo desconocido.


Visto en: http://www.cookingideas.es/...

27 de julio de 2012

Amen Break: Los 6 segundos más importantes de la historia del Hip Hop y la música electrónica

El Amen Break, un redoble de batería con 6 segundos de duración que se encuentra en la cara B del 7” “Color Him Father“, un sencillo del grupo soul The Winstons publicado en 1969 es el tema mas versionado de la historia.



A pesar del éxito en su día logró el disco, seguramente poca gente recordaría hoy su segundo tema “Amen, Brother” de no ser por la recuperación sampledística por la cultura hip hop durante los años 80 del archiconocido breakbeat que en el minuto 1:27 toca el batería Gregory Coleman.



En 2004, el videoartista y escritor Nate Harrison compuso el vídeo Can I Get An Amen? Se trata de una instalación audiovisual que permite observar de forma sencilla pero eficaz uno de los grandes motores que han impulsado la música electrónica desde sus inicios, el sampling, y comprender hasta qué punto la música contemporánea está en deuda con una pequeñísima porción de música afroamericana de los años sesenta. Este pequeño documental nos permite conocer el origen, la evolución y las innumerables aplicaciones que ha tenido uno de los breaks mas utilizados en la historia músical contemporánea.

Siguiendo el vídeo descubriremos que este vinilo, que junto a otros clásicos negros como “Funky Drummer” de James Brown o “Think (About It)” de Lyn Collins conforma el trío de breaks más sampleados de la Historia, volvió a ser utilizado más de veinte años después de su creación como base rítmica para la composición de electro o hip hop. Buenos ejemplos son las producciones de clásicos como “King Of The Beats” de Mantronix o el seminal clásico de gangsta rap ”Straight Outta Compton“ de NWA. Posteriormente, en pleno apogeo rave en Europa, la fusión de hip hop con diferentes sonidos electrónicos hace que el Amen Break se convierta en uno de los elementos clave sobre los que se construyen géneros musicales enteros como el jungle y el breakbeat. Temas tan populares como el famosísimo “Original Nuttah” de Shy FX se basan completamente en su reproducción acelerada. Durante los años noventa, a medida que la experimentación va expandiendo los límites de la ciencia del ritmo surgen inquietos productores que practican un drum and bass avant garde en el cuál el Amen se deconstruye o utiliza digitalmente, caso del innovador Tom Jenkinson aka Squarepusher.

La adaptabilidad de este break, que originalmente no dejaba de ser parte de un tema musical comercial regido por patrones bastante convencionales para la época, lo convierte paradójicamente en parte principal del andamiaje sobre el que cantidad de productores han venido construyendo posteriormente un sonido propio tan poco convencional como diferente, futurista y original. Como el mismo Nate Harrison opina, “es realmente interesante cómo cientos de canciones, miles de DJs, un número importante de clubs o fiestas, en realidad toda una subcultura se basan solamente en este loop de batería, esto es, se basan en seis segundos del 1969”.

Visto en: www.planetamodular.com/...

26 de julio de 2012

La afinación de LA en 440 Hertzios: ¿Una imposición nazi para romper el modelo matemático de la música?

Este será uno de los artículos más extraños que haya escrito para MusicalWars. Para introduciros en el tema y para que veáis que esto no es broma ni superstición, los siguiente números constituyen el comienzo de la serie de Fibonacci. Las proporciones de esta serie encierran el número PHI (1,6180…), también llamada proporción aúrea, podéis saber más sobre ella en este documental sobre la proporción áurea en el programa Redes de la televisión española.:

1, 2, 2+1= 3, 3+2= 5, 5+3= 8, 5+8= 13 , etc.

Hasta aquí, esta serie numérica puede no decir gran cosa a quien no sepa mucho más de ella, sin embargo deberían de ponersenos los pelos de punta al preguntarnos cómo es posible que el universo, el hombre, el arte y la naturaleza se construyan en base a esta serie, entre muchos ejemplos (cada vez se descubren más cosas fascinantes) tenemos que:
  • Los huracanes, remolinos, galaxias y agujeros negros desarrollan su dinámica en base a la proporción aúrea.
  • ¿Saben que las dimensiones físicas del cuerpo humano cumplen también las relaciones de aspecto dadas por 1,6180…?
  • Podemos incluso encontrar esta asombrosa serie en la relación de aspecto de la espiral de adn y en los latidos del corazón.


Resulta que la historia según algunos medios, y que parece que no debe ser creía a priori, cambió en 1939, cuando un ministro de propaganda nazi llamado Joseph Goebels, figura clave en el régimen y amigo íntimo de Adolf Hitler, creó un decreto universal por el cuál se instaba a todo el mundo a afinar el LA musical a 440 Hertzios, en lugar de a 432 Hz, frecuencia a la que se afinaba toda la música hasta el momento, según el medio. Desde 1939 hasta hoy en día se ha entonado en base a esa frecuencia.

Según la historia, la creencia nazi sería de que la frecuencia de la nota la en 440 Hertzios provoca en la gente piense y sienta de una manera determinada. En 1953 el decreto de Goebels fue aprobado por parte de la Organización Internacional de Normalización (ISO).

El LA afinado a 432hz ha estado oculto al mundo por ser un "punto de balance sónico de la naturaleza", según estos medios, y continúan con; “432 Hz vibra en los principios de la medida de oro PHI y unifica las propiedades de la luz, tiempo, espacio, materia, gravedad y el magnetismo con la biología, el código del ADN y la conciencia. Se piensa que la afinación natural a 432 Hz tiene efectos profundos en la consciencia y también en el nivel celular de nuestro cuerpo".

El Instituto Schiller alemán es el responsable de haber llevado una campaña mundial para llevar la frecuencia de afinaciòn a 432 Hz, una batalla que ya libró el propio Verdi, otra vez  según esta misma fuente.

En este vídeo tenéis más argumentos similares, sobre este tema y una comparación entre las dos frecuencias de afinado:



¿Qué os ha parecido la entrada hasta aquí? ¿Conocéis alguna curiosidad sobre este tema? ¿Creéis que será cierto? Parece ser que no es así.

Se sabe con certeza que en 1859 se dictó una ley en Francia por la que todos los instrumentos se afinarían a 435 Hz, apareciendo aún así afinaciones alternativas. Una de las más conocidas fue la afinación filosófica o científica, en la que el Do de todas las octavas era siempre una potencia de 2.

En la octava 0, Do se correspondía con 32 Hz, en la uno con 64 Hz, en la dos con 128, 256 en la 3 y así sucesivamente. Con esta afinación, el La de la octava 3 se sitúaba en los 430,539 Hz, que no es exactamente 432. De hecho, parece que ninguna afinación ha utilizado la frecuencia de 432 Hz para afinar.

Parece entonces que se trata de un bulo, con firma conocida pero desconocida intención. ¿en qué quedamos? ¿cuál es vuestra opinión?

La historia probablemente real la tenéis aquí, mucho ojo: todoestarelacionado.wordpress.com

20 de julio de 2012

El estornino de Mozart compone mejor que tú

Foto: Wikipedia
Los estorninos emiten una inmensa variedad de sonidos, se organizan en bandadas inmensas y se adaptan a casi cualquier entorno templado. Y aprenden melodías que luego cambian a su antojo de formas impredecibles. Como el estornino de Mozart. Esta es la historia de un pequeño pájaro que pudo influir en la obra del gran genio salzburgués.

El amigo Wolfgang estaba componiendo su concierto para piano número 17 en la época en la que anotó en un diario de gastos unas notas que le pensaba le vendrían bien para su última obra.

Habría sido un auténtico milagro que Wolfgang se acercara por la tienda de mascotas y un estornino cualquiera le hubiera silbado el tema del último movimiento de un concierto que todavía no había estrenado. ¿Lo inventaría el estornino y lo copiaría, corregido, Mozart? Lo contrario parece más probable:

Mozart había tenido pájaros antes, y sabía de las capacidades ocultas de los estorninos. Quizá dedicara un rato a enseñarle una melodía que estaba componiendo: a Mozart le gustaba silbar.

Una especulación sobre el tema dice que el dueño de la tienda recordó hábilmente una melodía que Wolfgang había silbado en una visita anterior, e hizo lo posible porque el estornino la cantara con el objeto de impresionarle y cerrar la venta. A saber: la cuestión es que el estornino hizo una interpretación solvente. Tan solo alargó un poco el Sol del primer compás y en el segundo “decidió” desafinar yéndose un semitono por encima de la tónica.

Mejor mirad este vídeo a partir del minuto 3:33 (y sobre todo el 4:37):




Tal vez cueste creerlo pero es muy posible que un simple pajarito haya aportado las más sutiles notas a la música más grande jamás creada.

Por cierto; otro dato que afirma que los estorninos sienten la música cómo la sentimos los humamos.

Visto en: brucknerite.net/... Los estorninos son realmente increíbles.

¿Qué os ha parecido? No me digáis que no os ha gustado. ¡Un respeto a los pajaritos!

11 de julio de 2012

El verano, el reggae y los "villanCICLOS"

"Google Trends es una herramienta de Google Labs que muestra los términos de búsqueda más populares del pasado reciente.
Las gráficas de Google Trends representan con cuánta frecuencia se realiza una búsqueda particular en varias regiones del mundo y en varios idiomas. El eje horizontal de la gráfica representa el tiempo (desde algún momento de 2004), y el eje vertical representa la frecuencia con la que se ha buscado el término globalmente." (Wikipedia)


Ya casi es verano, .. las vacaciones, la playa, los amigos ... pero que música escuchar cuando tenemos los oídos tan desocupados?

Parece ser que el reggae está muy solicitado cuando llega el sol. Por lo menos eso es lo que dice google trends, aquí podéis verlo junto al dubstep.

En el gráfico; que se extiende por años (2004-1020) separados por las lineas verticales grises, la linea azul representa la evolución del reggae en las búsquedas de google. Notese que alcanza el pico máximo en la mitad del año, justo en el verano, para empezar después a caer de forma muchos más abrupta, una vez superado este.

La linea roja, tan empicadas que parecen dientes de tiburón, supongo que ya sabrán lo que representan. Solución; los "villanCICLOS".

¿Habéis encontrado alguna otro tendencia musical curiosa? Buen verano!

10 de julio de 2012

BCRseq: Convierte tu Behringer BCR2000 en un secuenciador MIDI (Plugin VST Gratis)


Nay-Seven ha anunciado BCRseq, un plug-in VST que transforma la BCR2000 de Behringer en un secuenciador MIDI.

El BCR2000 en un controlador MIDI de sobremesa, con 32 potenciómetros retroiluminados y 20 botones de control. Es un producto económico pero que cumple lo que ofrece.

BCRseq es una versión gratuita y en estado de desarrollo beta que transforma este controlador MIDI de Behringer en un secuenciador con interfaz virtual de usuario para mejor control. Está limitado a 8 presets y funciona desde un host VST.

Si tenías este controlador acumulando porque te has comprado uno mejor ya lo puedes ir aseando y ampliar sus fronteras.

BCRseq es gratuito/gratis (freeware) y está disponible en formato Plugin VST para Windows.

¿Alguien lo ha descargado y usado para hacer un tema? el autor está buscando música hecha con su plugín (ver primer comentario).

Más información (Página del producto): http://nay-seven.com/bcr_seq.htm

6 de julio de 2012

La primera guitarra eléctrica cumple 80 años

Este año se cumple el 80 aniversario de la guitarra eléctrica. Un instrumento que hace difícil imaginar la música de nuestro tiempo sin él.

Todo comenzó con la búsqueda de un volumen más intenso durante la década de 1920. Con la llegada de la música de las big bands y la radio comercial, así como los avances en el registro del sonido, la invención de la guitarra eléctrica sucedió a principios de los años treinta. Enl a década previa el suave sonido de las guitarra hizo que se fuese relegando a un segundo o tercer plano y haciéndola casi imposible de apreciar a pesar de los avances y mejoras en su acústica como los resonadores y las cuerdas de metal.


LOS TUBOS DE VACÍO DIERON EL EMPUJÓN

Nace entonces la necesidad de dotar a la guitarra de más volumen y presencia y así se fueron desarrollando distintas técnicas para amplificar eléctricamente el sonido de este instrumento. así que los guitarristas comenzaron a buscar las posibilidades que ofrecía el nuevo campo de la amplificación electrónica, que se había hecho posible por los recientes avances en válvulas termoiónicas o tubos de vacío.

Poner un micrófono simplemente delante de la guitarra funcionaría para un solo o para un grupo reducido de guitarras -método todavía común entre los cantautores-. Pero en una banda grande, el micrófono amplificaría el resto de la banda casi tanto como la propia guitarra. Lo que necesitaban los guitarristas era una manera de amplificar exclusivamente y de forma aislada con respecto al resto de la banda a sus preciados instrumentos.


APARECE ENTONCES UN INSTRUMENTO NUNCA VISTO

Fue entonces a mediados de 1932 cuando la humanidad pudo ver la primera guitarra eléctrica. La "Electric Hawaiian Guitar Rickenbacker, Modelo A-22”. En la época a esta guitarra le llamaron "Frying Pan" o "Sartén"...





Rickenbacher (cambiado poco tiempo después a 'Rickenbacker', para evitar cualquier connotación alemana mientras ocurría la guerra mundial) Electro Stringed Instrument Company fue el primer fabricante que construyo la primera guitarra eléctrica.


ASÍ FUNCIONABA LA PRIMERA GUITARRA ELÉCTRICA

Adolph Rickenbacker, al cual la compañía “National” le había encargado trabajar en componentes metálicos para sus guitarras resonadoras, conoció en esta empresa a George Beauchamp y a Paul Barth, que habían trabajado en un proyecto acerca de innovadoras pastillas magnéticas. Entre los tres formaron la “Electro String Company”, y en 1931 emprendieron la producción de sus primeras guitarras Hawaianas eléctricas.

La primera patente se trataba de una guitarra empleando enteramente materiales metálicos, la dotaron de  una pastilla electromagnética de alta impedancia, con dos imanes de acero de tungsteno cromado de considerable potencia -este material sería hoy impensable por su alto valor-, esta primitiva pastilla con forma de herradura envolvía a las cuerdas, podéis verla en la imagen. Así se conseguía por primera vez un sonido claro, limpio y contundente, además de poder amplificarlo para lograr un volumen más alto que en otros casos anteriores.


APARECEN NUEVOS FABRICANTES

En 1933 aparecieron ya en el mercado las guitarras Dobro, y al año siguiente se podían conseguir instrumentos eléctricos de las marcas National, AudioVox y Volutone. Más tarde aparecieron las Vega, las Epiphone y, en 1935, las legendarias guitarras Gibson que siguen estando entre las más populares junto con las Fender.

A pesar de que los músicos defendían el sonido eléctrico más potente, que permitía a la guitarra competir con otros instrumentos en actuaciones de grupo, estaban defendiendo su trabajo a costa de mantener las cualidades de la guitarra. En vez de tratar de replicar el calor y el brillo de una guitarra acústica, los músicos y los ingenieros anduvieron trasteando sus equipos y acabaron creando un tipo completamente nuevo de sonido.


MEJORANDO EL SONIDO CON EL CUERPO SÓLIDO

Incluso con sus beneficios, la nueva tecnología tenía inconvenientes. La reverberación del sonido que se producía en el cuerpo hueco del instrumento, causaba distorsión, “overtones”, y retroalimentación cuando se combinaba con pastillas electromagnéticas. Pero cuando la guitarra eléctrica desarrolló sus propias cualidades sonoras y su propio estilo de interpretación, los músicos y los fabricantes se dieron cuenta de que se debían diseñar la guitarra eléctrica pensando en la amplificación y partiendo de cero. Esto llevó a unos pocos innovadores a pensar en reemplazar el cuerpo hueco con uno sólido.

A diferencia de las guitarras de cuerpo hueco, las de cuerpo sólido, a pesar de estar hechas también de madera, no tienen espacios vacíos en su interior, lo cual hace que el sonido sea más seco y se libre de vibraciones no deseadas. Esto produce un efecto moderno y agresivo.

Rickenbacker ya había presentado una guitarra de cuerpo sólido pero no estaba diseñado para tal efecto, se trataba de la Electro Spanish. El mérito de inventar el cuerpo sólido va a otros, inclusive a Les Paul. En 1941 hizo una guitarra del cuerpo sólido que él denominó “el Tronco” (The Log). Tenéis un poco más de info aquí.


TODAVÍA MÁS Y MAS

No hace tanto tiempo atrás, alrededor de 1947 Paul Bigsby, un mecánico de Los Angeles, formó equipo con el cantante de Country y guitarrista Merle Travis para diseñar una guitarra eléctrica de cuerpo sólido que ya se parecía más a lo que conocemos hoy como guitarra eléctrica. Bigsby desarrolló también una palanca de vibrato, también conocida como trémolo, (incorrectamente). La palanca de vibrato alteraba el tono de las notas cambiando la tensión en las cuerdas cuando se movía hacia arriba y hacia abajo. Esta sería la primera guitarra eléctrica tal y como la conocemos.

La primera guitarra eléctrica tal y como la conocemos

La historia de la guitarra todavía no está cerrada pero se siguen sumando nuevas técnicas para mejorar sobre todo sus prestaciones y características. Desde guitarras que se afinan solas o incluso corrigen su tono independientemente de la tensión de la cuerda, pasando por emuladores de otras guitarras dentro de otras, control MIDI y mucho más se está haciendo en los últimos años. No te lo quieras perder.

Me he ayudado mucho de este gran artículo: http://www.guitarristas.org/...
y este otro: http://www.mechanicaldesignforum.com/...

3 de julio de 2012

Effectology: Paisaje Sonoro del Laboratorio del Dr. Frankenstein por Bill Rupert

Effectology es el nombre del canal de Bill Ruppert en youtube, donde se dedica a mostrar impresionantes trucos para guitarra eléctrica combinados con los pedales, o stompboxes, del prestigioso fabricante Electro Harmonix.



En esta ocasión, que es anterior a la que ya publicamos sobre la banda sonora Blade Runner, nos muestra su particular paisaje sonoro de nada más y menos que del laboratorio del Dr. Frankenstein. Prestadle atención porque son ideas muy buenas. No deja escapar la lluvia, la electricidad que dará vida al monstruo e incluso al solitario lobo aullando bajo la lluvia.

Más información y canal de Effectology en youtube: http://www.youtube.com/user/Effectology


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